The Coral - Coral Island

來自英國西邊濱海小鎮Hoylake的樂團The Coral今年正好出道滿20年，他們選擇推出音樂生涯集大成的雙專輯《Coral Island》，團員根據自身成長經驗構想出一個虛構的海島樂園，專輯中的所有歌曲都在描寫這個樂園中發生的故事和該地的興衰。此概念乍看之下令人摸不著頭續，但專輯最終呈現出來的效果卻出奇地好，聆聽時讓人想起《布萊登棒棒糖》這類關於遊樂園的故事。主唱James Skelly和鼓手Ian Skelly兄弟還找來他們的祖父Ian Murrary來擔任口白，形式上向The Small Faces的《Ogdens' Nut Gone Flake》致敬，這些穿插的口述歌曲為專輯增添了戲劇性。

《Coral Island》分為兩個部分：Welcome to Coral Island及The Ghost of Coral Island，第一部分大多描述在樂園度過的歡愉時光，第二部分則討論樂園淡季的寂寥景象。The Coral原本想把一二部分拆成兩張專輯，間隔三個月左右發行，不過Noel Gallagher建議他們不必這麼麻煩，直接一起推出讓聽眾一次獲得完整的體驗；事後證明The Coral這批歌曲的品質極高，就算專輯很長、歌曲繁多，每首歌都能讓人留下深刻印象，從頭到尾都非常流暢。

第一部分Welcome to Coral Island好歌一首接著一首。在開場白〈Welcome to Coral Island〉之後的單曲〈Lover Undiscovered〉試圖捕捉早晨萬物甦醒，懷抱新希望的感受，整首歌充滿英倫風情和六零年代流行搖滾的影響，鼓勵人體會生命中單純的美好。〈Change Your Mind〉jangly的吉他宛如R.E.M.的歌曲，音樂記錄下追尋某個人過程之中的悲喜交集。其他比較輕快的歌曲還包括另一支單曲〈Vacancy〉，貫穿主歌的復古風琴聲是一大特色，歌詞取材自主唱James Skelly過去寫的詩，原本感嘆自己孤身一人，最終擁抱自己的孤獨，寫出了所有人的共通經驗。〈My Best Friend〉旋律明亮討喜，描述和友人意見不合、溝通不良，卻不會影響彼此情誼。

幾首慢歌都充滿詩意。〈Mist on the River〉使用Moog合成器製造氤氳的效果，團員的三部和聲宛如六零年代的Crosby, Stills & Nash，搭配美麗的詞句（太陽越過水面升起，如鬼魂飄至天際，掠過石子、劃破清晨，在地面畫出無法重現的形狀。這些日子宛如天堂，但終會消逝。我看著你，心裡想著，為了你，今天水上起霧），讓人宛如置身夏末的英格蘭。〈The Game She Plays〉的迷幻風格讓人想起Pink Floyd，而以民謠吉他為基底的〈Autumn Has Come〉沉靜的氛圍預示專輯下半部分較為憂鬱的主題。

The Ghost of Coral Island第一首非口述歌曲〈Golden Age〉哥德風的琴聲彷彿Nick Cave & the Bad Seeds的歌曲，敘事者緬懷著夏天的離去，雖然淡季已經到來，仍然嘗試說服旅客樂園能提供最棒的娛樂。專輯發行前已經強力放送的單曲〈Faithless Angel〉絕對是今年最優異的單曲之一，主唱James Skelly的聲線有點神似Leonard Cohen，曲風混合了藍調和民謠，歌詞中的無臉天使踏上未知的旅程就像恐怖片的情節，如果親自踏上廢棄的遊樂園，確實也會覺得置身於電影片場。

由於地緣關係（James Skelly在利物浦的Parr Street Studios經營他的廠牌Skeleton Key），《Coral Island》專輯中有一些模仿The Beatles風格的曲子，尤其是〈Take Me Back to the Summertime〉的人聲和樂器編排明顯學〈I Want to Hold Your Hand〉這類的流行曲，而倒數第二首歌〈The Calico Girl〉的人聲有Paul McCartney的神韻，這些元素在《Coral Island》中蜻蜓點水出現一下倒也有趣。

第二部分的其他亮點包括緩慢且有點淡淡哀愁的〈Strange Illusions〉和〈Old Photographs〉，傳達出舊城風華不再的複雜感受。〈Watch You Disappear〉彷彿帶有顆粒的吉他聲響，讓整首歌像是從遙遠的地方傳來的聲音，追尋未果的情況在上半部分的〈Change Your Mind〉以正向積極的態度面對，在此處只剩下無盡的悵惘失落。

即便是雙專輯，聽完《Coral Island》竟然還有點意猶未盡之感，可見樂團大膽的嘗試非常成功。《Coral Island》中描繪的人們或許是出於無奈必須留在那個世界中，渴望能夠離開，作為聽眾卻仍然感到好奇，鼓手Ian Skelly不但手繪了Coral Island的地圖，還和鍵盤手Nick Power出了一本書《Over Coral Island》可以和專輯一起購入。在沉浸在美妙的音樂當中的同時，也不禁開始思索自己有沒有足夠吸引人的故事可以說。

by Debby

Spencer Krug - Fading Graffiti

Spencer Krug擁有許多化身，自從他的樂團Wolf Parade在2005年成為獨立搖滾新星以來，他眾多的音樂計畫逐漸累積了許多樂迷。不過他這次的變身是成為他自己，自出道以來首度以個人名義推出專輯，透過自行成立、名稱幽默的廠牌Pronounced Kroog發行。雖然Spencer Krug在音樂中經常感嘆自己很老派、跟不上時代，近年來他卻趕上音樂人成立Patreon頁面的潮流，在上面對贊助者每個月發行新歌、即興作品、舊歌改編和現場影像等等，並藉此籌募了最新專輯《Fading Graffiti》的資金。

《Fading Graffiti》所有收錄的歌曲都曾經以慢速鋼琴曲的形式出現在 Spencer Krug的Patreon頁面上，他其實可以輕輕鬆鬆把這些歌曲集結成又一張以鋼琴曲為主的專輯，但他卻選擇組一個完整的樂團（成員包括電吉他手Jordan Koop、貝斯手Adrienne Humblet、踏板鋼棒吉他手Nicholas Merz和鼓手Eli Browning）來重新詮釋這些歌，將它們轉換成帶有民謠風格的搖滾歌曲。樂團成員的貢獻功不可沒，我個人認為專輯中呈現歌曲的方式遠勝過當初的demo，讓歌曲更多元且能傳達多種不同的情感。

最終錄出來的專輯捕捉到Krug比較寧靜的人生階段，部分主題包括平靜地待在家中、成為父親、愛情、觀察自然環境等等。如同往常，Krug的音樂充滿了高潮起伏，不過他處理各種轉折的手法顯得駕輕就熟。這並不表示他這張專輯往商業化靠攏，某些音樂元素剛開始聽的時候還會有點挑戰性。比如說開場的專輯同名曲〈Fading Graffiti〉曲折的吉他就讓我花了一些時間適應，音色帶點鄉村音樂的味道，還有顫動的撥弦聲有點像他的Swan Lake舊夥伴Dan Bejar (Destroyer) 會寫的音樂。不久之後這首歌就烙印在我腦海中，不只人聲部分，連吉他旋律我都可以從頭哼到尾，真的很奇怪。

接連的三首歌都令人驚豔。如前所述，Spencer Krug曾出過一些全收錄鋼琴曲的專輯，但這張專輯的鋼琴卻不多。〈Winter Starts to Fall〉是個例外，優雅的鋼琴演奏陸陸續續在歌曲的前三分之二出現，讓人想起Krug的Moonface時期作品。歌曲後半段突然一個大轉彎，推送一道節奏強勁的音流，Krug反覆唱道「你虧欠我，我是多麼愛你」，聽起來既浪漫又有點扭曲。〈Having Discovered Ayahuasca〉起初又帶有鄉村樂風情和Destroyer的調調。Krug委婉批評人的迷障和對偽靈性體驗的追求。這首歌旋律美妙，幾處漂亮轉場Wolf Parade的歌迷應該都會很熟悉。Krug所唱的歌詞「如果你拯救我，我就能拯救你我彼此」非常深刻，聽後在我心中迴盪數日。〈River River〉可能是專輯中最搖滾的曲子，Krug用河流比喻遺忘，以他招牌的激情呼喊感嘆記憶的流逝，如果有機會現場演出的話，定能挑動觀眾的情緒。

〈River River〉之後的曲子逐漸染上哀傷的色調，在專輯中間比較出色的曲子是〈The Moon and the Dream〉和〈Serena's Kills〉。如同歌名所示，〈The Moon and the Dream〉的樂音使人如在夢中，近似先前Moonface的音樂，樂手們製造出爵士風格的神秘氣氛，圍繞著Krug的歌聲。〈Serena's Kills〉起源自Patreon上樂迷的建議，他好奇Spencer Krug能不能用〈Serena's Kills〉這個歌名創作出新歌，成品聽起來Krug表演時可能樂在其中，還加入了類似〈Fading Graffiti〉的回彈吉他、奇特的鼓點，以及突兀卻莫名在這首歌上發揮作用的轉折點。

倒數第二首歌〈Crossroads〉情感奔放，Speneer Krug經常在作品中寫出他個人對音樂生涯的不安，例如Sunset Rubdown的〈You Go On Ahead (Trumpet Trumpet II〉、Moonface的〈November 2011〉等等，但他這次的憂慮感可能比以往更複雜難解。他描述外界勢力（「他們已經著手做出了一個真實黑洞的畫像，但實際上卻是在描繪一個企圖吞噬我們的神」）使得音樂創作充滿危機。也許正是這種存在焦慮驅使他不放棄音樂，「你能不能告訴我，再告訴我一次，我如何在某種程度上能治癒他人？」你可以的，Spencer。

專輯以樂觀的〈Ping a Wing Above the Door〉結束。雖然這首歌寫於疫情發生前，但其中情景適用於人們在過去一年內或多或少有經歷過的封城情況。Krug寫出他和妻子在居家生活中創造出的溫暖安心環境，像是「整個月和你在家閒晃的時光，我感到很開心」、「坐在浴缸裡，筆電裡播放我們兩個都看過的節目」、「只有我們和狗，都不動如山，我再也不會離開」這樣的詞句顯示出Krug已經找到真正的快樂，對於我們目前無法任意移動的情況也提供一個令人耳目一新的想法——當我們只能待在家裡時，也許能和心愛的人建立更親密的連結。

整體而言，《Fading Graffiti》在Spencer Krug的企圖心和樂迷期待之間找到了平衡點。Krug找到了方法能維持創作自由，而不必屈就於廠牌可能對他的要求，真是一件可喜的事。希望他繼續把比較有商業價值的作品留給Wolf Parade，而在他的個人計畫中繼續玩一些有趣的音樂。

by Debby

Spencer Krug is a man of many guises. His overwhelmingly large number of musical projects has dazzled many since his band Wolf Parade became indie darlings in 2005. His latest metamorphosis is just his bare self, releasing an album under his own name for the first time under his own humorously-titled label Pronounced Kroog. Despite the recurring theme of being out-of-time in his songs, he managed to jump on the bandwagon of starting a Patreon page, where he releases a new song every month (along with improvisations, reworked old songs, and live footages) and has obtained funding for his latest solo album Fading Graffiti.

While all songs on Fading Graffiti previously appeared as low-key piano ballads on Krug's Patreon, and it would have been easy for him to compile them into yet another album, Krug chose to reinterpret the bunch by recruiting a band (with Jordan Koop on electric guitar, Adrienne Humblet on bass, Nicholas Merz on pedal steel guitar, and Eli Browning on drums) and transforming it into folk-oriented rock songs. The team effort is commendable since I personally much prefer the songs' current forms to the original demos, giving the songs more dynamics and diverse moods.

The end product captures a more serene period of Krug's life. Some of the subject matters include being at peace at home, potential fatherhood, being in love, and observing natural surroundings. As usual, Krug's songs have plenty of twists and turns, but his delivery of them seems calm and collected this time. Still, the album is a far cry from going commercial; certain elements might initially pose slight challenges to the listening experience. For instance, the winding guitar intro of the eponymous opener Fading Graffiti took me some time to get used to. The guitars are tinged with country music flavors, and the strange twangy sounds remind me of the music by his old band mate in Swan Lake, Dan Bejar (Destroyer). Before long, the song gets stuck in my head, and I can hum the vocal parts and even the guitar melodies all the way through. Strange, indeed.

The subsequent three songs in succession are truly stunning. With Krug's discography of piano tunes, Fading Graffiti has surprisingly little piano on it. Winter Starts to Fall ,however, has elegant piano flourishes scattered in the first two-thirds the song, reminding me of his Moonface days. The song makes a dramatic turn at the last minutes, carrying forward a propelling bridge with sing-along vocals of "You owe me for how much I love you". It is both romantic and slightly twisted. Having Discovered Ayahuasca is country-flavored at first and has that Destroyer-vibe again. Krug makes gentle reproaches to people's superstition and quest for faux-pas spiritual journeys. The song's catchy melodies culminate in masterful transitions that would be familiar to Wolf Parade fans. The poignant line near the end "If you could save me, I can save us both" lingers in my mind for days. River River is possibly the rockiest song on the record. Using the river as a metaphor for forgetfulness, Krug laments the faded memories with his signature passionate howls. It would certainly stir up the crowd when performed live.

Songs increasingly take up somber tones after River River. Highlights in this middle section include The Moon and the Dream and Serena's Kills. The Moon and the Dream, as the title suggests, has dreamlike qualities to its sound, reminiscent of some of songs Krug had written as Moonface. The band creates jazzy and mysterious atmospheres that surround Krug's vocals. Serena's Kills originated from a fan's suggestion on Patreon. A fan on Krug's Patreon wondered if Krug could compose a song out of the title Serena's Kills. It seems that Krug had fun writing and performing this song, which has the twangy guitars on Fading Graffiti, eerie drum beats, and abrupt transitions that somehow work for the song.

The penultimate track Crossroads is the song with most intense emotions on the album. Krug has always had insecurities about his music career (e.g. Sunset Rubdown's You Go On Ahead (Trumpet Trumpet II), Moonface's November 2011), but his anxiety this time is admittedly even more complicated. He describes prevailing outside forces ("Now they've gone and made a portrait of an actual black hole/Which of course is just a portrait of a god that wants to swallow us all whole") that pose great danger to music making. Perhaps it is this existential crisis that propels him not give up musical composition. "And won't you tell me, won't you tell me again/How I'm some kind of healer?" Well, you are, Spencer.

The album ends on an optimistic note with Ping a Wing above the Door. Although this song was written before the coronavirus pandemic, it could apply to the lockdown situation people more or less found themselves under over the past year. Krug describes the warm cocoon his partner and he had created in their domestic life. Lines like "I had a good time just hanging around the house with you all month" and "A bathtub and a laptop showing shows that we've both seen", "Just us and the dog, we were all as still as stones/I'm not moving anymore" suggest true happiness and offers a breath of fresh air in our current immobility—it is possible to forge deeper ties with our beloved when we are stuck at home.

Overall, Fading Graffiti is an album that strikes a balance between Spencer Krug's ambitions and fan expectations. It is wonderful that Krug finds a way to keep making the music he wants to make without giving in to the possible demands from labels. I hope he continues to leave his more commercially viable endeavors to Wolf Parade and create interesting music in his personal pursuits.

The Besnard Lakes - The Besnard Lakes Are The Last of the Great Thunderstorm Warnings

距離上次The Besnard Lakes推出專輯已經過了五年，上張專輯《A Coliseum Complex Museum》是他們到目前為止最簡短的專輯，歌曲長度也盡量收在三四分鐘以內，但對善於營造恢弘氣氛的The Besnard Lakes來說難免顯得處處掣肘，專輯也未受到關注。主腦Jace Lasek父親和他景仰的音樂人Prince、Mark Hollis等都在這幾年內相繼過世，引發他在新專輯《The Besnard Lakes Are the Last of the Great Thunderstorm Warnings》中討論生死這深刻難解的問題。這是The Besnard Lakes首次推出超過一小時的雙專輯，他們也告別長期合作的Jagjagwar廠牌，轉到Fat Cat發行新作。

熟悉The Besnard Lakes音樂的歌迷在新專輯中依然會聽到他們喜愛的元素，像是充滿回授效果的瞪鞋風吉他、迷幻搖滾的磅礴氣勢、Jace Lasek的誇張假音和Olga Goreas的合唱，不過歌曲的高峰需要更多的時間醞釀，在這講求速成的年代，聆賞這張專輯需要一點耐心，如果原本就喜愛他們先前的專輯，在新作中聆聽各件樂器的微妙音色變化並代入Jace Lasek所寫的情境中仍然是件享受。

專輯分成「瀕死、死亡、死後、生命」四個部分，〈Blackstrap〉用閃爍的合成器聲響和如風聲般的音效開展「瀕死」篇章，當吉他聲響出現，整首歌宛如籠罩在低氣壓中，歌詞採用Jace Lasek一直以來都熱愛的間諜故事情節，不時出現無人接聽的電話聲暗示憾事即將發生，等到Olga Goreas的歌聲加入，整首歌到達頂峰，讓人如閱讀悲劇後獲得情感洗禮。〈Raindrops〉的歌詞 On the other side of the world / Is my backyard/ Garden of Eden spirited 向Talk Talk的主唱Mark Hollis致敬，雖然是一首輓歌，晶瑩的合成器和壯麗的副歌將悲傷情緒轉換成美麗的事物，相信許多人會和The Besnard Lakes一樣，在懷念Mark Hollis的同時創造作品，延續他的精神。〈Christmas Can Wait〉的歌詞讀起來私密，描寫Lasek的父親過世時，家人將聖誕慶祝儀式放到一邊，聖誕節還會來臨，父親走後卻永遠不會再回來了，前三分鐘Jace Lasek戲劇化的花腔滿盈著悲痛，在後五分鐘的吉他轟鳴間，Olga Goreas冷靜的歌聲給了聽眾一些撫慰。

「死亡」部分的歌曲都比較直接明快，單曲〈Our Heads, Our Hearts on Fire Again〉我當初聽到時其實覺得沒有什麼驚喜，但放在專輯的這個位置倒是舒緩了聽眾連聽幾首史詩篇章後的緊繃感，此外這首歌處理死亡的方式幾乎是充滿喜悅，讓人想起樂團的舊作如〈Albatross〉、〈Colour Yr Lights In〉等曲子，能激發出悲喜交集的奇妙感受。〈Feud With Guns〉可能是專輯中最容易接受的歌曲，簡單的主副歌結構、漂亮的旋律與迴盪的吉他近似的一般的瞪鞋歌曲，The Besnard Lakes又在背景點綴跳動的合成器、弦樂和笛子，整首歌在響亮的鈸聲後結束，歌詞訴說掛念的綿長，不過死去只是瞬間的事。

〈The Dark Side of Paradise〉不論是名稱和曲式都致敬《The Dark Side of the Moon》，像後搖歌曲般層層堆疊情感。長篇哀悼後的〈New Revolution〉風格結合瞪鞋和福音歌曲，讓人想起Spiritualized的音樂，歌曲後半部可以聽到一把扭曲吉他從聲音的濃霧中穿透出來，傳達出原始的生命活力。〈The Father of Time Wakes Up〉提到Prince的本名Jamie Starr，音樂中融合了悲傷、疑惑、歡欣等多樣複雜的情緒，當Jace Lasek和Olga Goreas合唱道 With love there is no death 時，背景出現張狂的吉他獨奏，若Prince能聽到以如此無所畏懼的態度面對死亡的致敬之作，應該會感到寬慰。

專輯同名曲〈Last of the Thunderstorm Warnings〉獨佔了「生命」的全部篇幅，鼓擊與專輯其他歌曲相比較有活力，明亮的副歌讚頌生命的美好。大部分的樂團可能會選擇在這樣光輝的時刻結束專輯，然而The Besnard Lakes反倒繼續製造長達11分鐘的吉他噪音，似乎想打破人生自此一片光明的幻象。雖然11分鐘的Drone聲響有點多餘，但樂團也藉此揭示他們異於傳統，或許還有更多挑戰聽眾的內容等著發表。

《The Besnard Lakes Are the Last of the Great Thunderstorm Warnings》從個人失去親人與偶像的經驗出發，其中思索生死的過程在全球許多人面對親友離世的當下定能感同身受，也證明了長篇的作品還是能找到願意聆賞的聽眾。

by Debby

Shame - Drunk Tank Pink

即便Shame三年前所發行的首張專輯《Songs of Praise》獲得了相當的好評，也成功吸引到眾人的注意力，但他們並沒有因此裹足不前，在經歷首張專輯發行後兩年漫長的巡迴，主唱Charlie Steen將新作品的創作更專注在私人的情緒上面，比起首張專輯桀傲不馴的態度，新作《Drunk Tank Pink》變得更成熟內斂，就如同去年Fontaines D.C.在創作上的轉變一樣，他們在作品中同樣在獲得名氣後重新審視自己，並且跳脫第二張專輯的框架另闢新徑。從單曲〈Snow Day〉我們聽到的截然不同的Shame，在六分鐘內放入複雜的編曲結構、不斷變換的橋段，將心碎的孤寂透過扭曲的雙吉他刷奏與強烈緊湊的鼓拍節奏排山倒海強襲而來，聲音上的表現如同後龐克樂隊Women及其嫡系樂隊工業感的電吉他音色，但又加上龐克音樂原有的能量，不斷的衝刺又緩衝並且挾帶龐然的氣勢，整體呈現出他們音樂中前所未有的深度，使我們大可以把〈Snow Day〉放入兩千年後後龐克新世代的經典歌曲清單裡。

專輯取名Drunk Tank Pink這個粉紅色的分類之一主要是因為Charlie Steen將他的新房間漆成了這顏色，而專輯大部分的歌詞都是在這個房間創作出來的，他說在一個人在入睡的時候最能忠實的面對自己，這樣的睡前時刻就成了他的靈感泉源。房間或房子成了專輯中的一個意象，像在歌曲〈Born in Luton〉中，他徹底展現被鎖在房門外窮盡一生等待某人回家的情緒，鎖在門外也象徵著被他人拒絕於心門外，這多少反應出他在情感上遇到的困境，歌曲擁有無比放克的節奏感與零碎的電流般噪音，在快速的主歌後又切入緩慢的副歌，毫無違和在兩種不同的情緒間切換，你不得不佩服他這樣大膽的唱歌方式。

〈March Day〉和〈Water in the Well〉宛如一首首Parquet Courts的歌曲，跳脫陰鬱的跳舞節奏，充滿熱鬧的樂隊合聲，眾人的呼喊聲極具現場演奏感，讓人直直回顧他們在現場的強大動能。接在〈Snow Day〉後的〈Human, For a Minute〉是整張專輯最動人的歌曲，沒錯，這首Shame的慢歌也是能夠打動人心的，Charlie Steen在此曲完整的將他的心碎唱出來，唱著：「只要今天就好，你為什麼不留下來呢？在遇見你之前，我從沒活得像個人類」。

Charlie Steen把他的存在焦慮全都寫在〈6/1〉這首兩分多鐘的歌曲裡頭，他唱著他不向神禱告，因為他自己就是神，即便他年輕的軀體正逐漸老化；他在厭惡自己的同時也愛著自己，他的存在本身就是一個矛盾，並且在這人世間轉瞬即逝，聽這這歌你會想說這電吉他節奏也太像Women及其嫡系了吧，但無縫緊接著的〈Harsh Degrees〉又變回他們最赤裸的樣子，在專輯最後將能量一次宣洩殆盡。

整張專輯就在以慢板琴鍵為主軸的〈Station Wagon〉中結束，Steen隨興的思緒像在遨遊在天際，隨著樂音的加重，他渴望將天空上的雲朵摘入他的口袋中，觸及他所不能觸及到的事物，畢竟他並不只想當一個平凡人，而是要像神一樣能夠達到人所不能達到的境界，他望著頭頂藍天想著那些不可能能做到的事，也或者這只是在創傷後的異想天開。

《Drunk Tank Pink》突破了Shame本身過去所畫下的界限，在尋求變化的過程中找到一條屬於他們能走的路，卻沒有將他們先前所維持的高能量給捨棄，反之成為他們能夠繼續進化的動能。Shame結合了兩千年後後龐克音樂最重要的元素，並且將其灌注最原始的爆發力，在爆發力與成熟的編曲中間找到絕佳的平衡點。

by guan

The Weather Station – Ignorance

我會認識The Weather Station 應該是從2011年的專輯《All of It Was Mine》開始的。前幾張專輯幾乎都是以吉他為主的民謠，不過這張新專輯的大轉變，讓我相當驚艷，也樂見她第一次嘗試比較流行搖滾一點的樂風，就能執行的如此完美。讓我想到另外一位創作女歌手Sharon van Etten，也是類似的轉變過程。

比起以往用簡單的民謠吉他彈唱，在新專輯《Ignorance》添加了老搖滾的4/4拍節奏，有了這個骨幹推著音樂前進，它可以加入更多元素，無論是電子琴、弦樂，還是薩可斯風，音樂性當然變得更豐富。前幾次聽的時候，感覺可以聽到Fleetwood Mac、Talk Talk、Kate Bush等80年代的老團的味道，但是聽越多次，你越能發現那些樂風只是Tamara Lindeman現在想要表達的方式，歌聲依舊平靜溫和的她，寫的歌詞還是非常深刻真摯。（延伸聆聽：2015年的《Loyalty》）

從第一首歌〈Robber〉，聽到穩定節拍打出的鼓聲，搭上漂浮的鋼琴與弦樂，偶爾還加入薩可斯風的吹奏，馬上奠定了這首有點爵士酷味，有點懸疑不安的調調，然而卻與她唱的主題相當的搭襯。在歌詞裡的Robber不是真的搶匪，而是透過現代經濟模式所產生那隻我們看不見的手，無情地操弄著我們的慾望。那隻看不見的手，它用捏造想像出來的慾望，與我們交換金錢，土地，環境，而它從來就不曾在意你。而特別是自然環境破壞的議題，讓他在下一首歌〈Atlantic〉，唱到當她在欣賞著大自然的美妙時，同時也有罪惡感，因為身為人類的一份子，對於自然環境的破壞，我們難道就是視而不見嗎？

當然專輯也有比較私人情感的歌曲，像是〈Tried to Tell You〉，在這首有點新浪潮感的輕快的節拍中，她說著她的朋友要離開曾經心愛的人，但是心中卻遲遲放不下。面對這樣難捨難依的窘境，她唱到：「我沒辦法幫你不要去接受內心的感覺，告訴你這些都不是真的」。〈Separated〉 更是唱出形同陌路的兩個人會分開，通常不是不愛了，而是我們過了熱戀階段後，面對人生的追求與夢想不同，而不得不各走各的路。

要說這是一張分手專輯，我覺得有點太過簡化她的歌。就像同樣來自加拿大民謠創作歌手Joni Mitchell，她們寫的歌可能都令人心碎，但是他們的觀察和描寫的角度要來更宏觀居多，往往超越個人，超越性別，只要能坦然面對自己的感受的人，往往都能在她們的歌中找到藉慰和安撫。或許聽到她們用歌曲直視自己內心軟弱的那一塊，能讓我們在面對人生許多未知，感到恐懼時，帶來點勇氣。我特別喜歡專輯最後一首歌〈Subdivision〉，副歌時她唱到「What if I misjudged/In the wildest of emotion/Did I take this way too far?」

by fuse