Other Lives - For Their Love

自從2009年推出同名專輯以來，Other Lives一向善於製作充滿詩意、予人想像空間的民謠音樂，而睽違五年的新專輯《For Their Love》也不例外，收錄的十首歌都旋律優美，散發沉思的氛圍，讓人在奔忙的生活瑣事中能夠靜下心來仔細聆聽。然而和過去的作品比起來，《For Their Love》的歌曲較為簡練、不再明顯受到其他樂團影響、高潮迭起也直擊人心，是到目前為止樂團的專輯中最容易入耳的。

Other Lives的團員原本來自美國的奧克拉荷馬州，不過製作《For Their Love》時團員移師到主腦Jesse Tabish在奧勒岡州山上的房子，在近乎遺世獨立的環境中，團員激盪出更多的合作火花，另外Jesse Tabish的妻子Kim Tabish參與了和聲，在一些關鍵的片刻中加強了Jesse Tabish想要表達的情感，例如〈Lost Day〉和〈Cops〉的副歌以及〈All Eyes - For Their Love〉的間奏等等。在這個政經情勢動盪的時代，創作者的主題很難完全脫離現況，Jesse Tabish專注在人們於紛亂時代的感受，他沒有明確指涉的詩句製造出像電影片段般的效果，幾乎每一首歌也都有扣人心弦的情感高峰。

開場曲〈Sound of Violence〉由貝斯和Jesse Tabish略為哀傷的歌聲揭開序幕，陸續加入弦樂和各種打擊樂器，到結尾的電子環境音一氣呵成地道出一個關於失去和後悔的故事。單曲〈Lost Day〉和〈Cops〉都是美麗且十分有辨識度的歌曲，長三四分鐘的曲子因為多樣的樂器組合和盛大的編制，使聽眾接收到超過原本長度的音樂潤澤。

〈All Eyes (For Their Love) 〉不但摘要了專輯主題（在價值觀混亂的時代保持心靈的澄淨），也是專輯中最具實驗性的歌曲，一開始宛如西部片配樂的前奏讓人想起Timber Timbre，當Jesse Tabish的歌聲出現時，聽眾便跟隨他，以他的視角觀察周遭的人，最後Tabish夫婦重複唱著 *All in denial, in denial* 時氣氛歡快，彷彿透過排除掉不需要在意的事物後，終於發現自己在世界上的定位。

過去Other Lives專輯的特點之一就是他們毫不掩飾受到Radiohead的啟發，尤其前兩張專輯有些樂評還直接稱他們為「美國鄉間版Radiohead」，〈Nites Out〉是全輯最像Radiohead的一首歌，不過其他歌已經與Radiohead做出區隔，成功創造出自己的風格。

Jesse Tabish在〈We Wait〉回憶起17歲時好友遭謀殺一事，歌詞直白地寫出他對好友的思念，他誠摯的歌聲、如泣如訴的吉他和遙遠的小喇叭聲讓人深受感動。〈Hey Hey I〉是專輯中最搖滾的歌曲，鼓的節拍明快，扭曲的吉他和跳動的琴鍵頗有迷幻音樂的音樂的味道。在聽完多首層次繁複的歌曲後，終曲〈Sideways〉氣氛平緩，把專輯收束在一個靜謐的畫面中。

雖然難免有幾首歌稍嫌矯飾了一點，樂團未能完全駕馭，《For Their Love》整體來說沒有冷場，是一張聽起來很舒服的作品，常聽indie folk、champer pop或電影配樂的樂迷都能夠找到喜愛這張專輯的理由。

by Debby

Nicolas Jaar - Cenizas

先前沒有聽過美國電子音樂製作人Nicolas Jaar的個人作品，只對他和吉他手Dave Harrington共組的Darkside有印象，藉由《Cenizas》的發行才又回過頭去聽他過去的作品才發覺這張專輯與過往有所不同，專輯名稱＂Cenizas＂是「灰燼」的西班牙文，如同其名，整張作品給人一種末世的寂寥感，僅存一人留這只剩下塵土的世界，其餘生物都已不復存在。

不像前一張《Sirens》，身為智利裔的他以電子音樂來回顧智利的政治與歷史，以節奏強烈的拍子與民俗音樂元素來製作出激進的聲響，《Cenizas》聽來更為黑暗深沉，猶如一部以末世為場景的電影所做的配樂。即便像〈Menysid〉這首曲子只有幽暗的合音、深沉的低音以及雨水般不斷落下的碎拍都能營造出精巧微妙的音景。同名歌曲〈Cenizas〉他以西班牙文唱著詞句，重度的回音感，給人一種一個人在諾大的空間自語著的景象，後段的拍打聲與低重的鼓拍甚至會讓你覺得他是一位後龐克音樂的隱性信徒，運用低傳真的錄製方式來製作出鬼魅般的黑暗氛圍。

你甚至很難說出他在〈Agosto〉或〈Gocce〉中到底用了什麼民俗樂器，又或者說那根本不是樂器只是數位模擬出來的聲音，只是單純受到宗教音樂影響即興所拼湊出來的聲音。專輯另一個重點應該是〈Mud〉，一開始如宗教音樂中的鐵琴敲打再加入低音合成器，一股暗流持續的在你的耳朵流竄，Nicolas Jaar在這首歌的唱法令人想起Wolf Parade團員Spencer Krug的音樂，最後鋼琴與鼓拍的合流可以說是完美的結尾。

Nicolas Jaar在〈Sunder〉回歸極簡主義的樂風，重複的樂句跟他唸唱的字句如同電腦中不斷回放的錄音檔案，在無人的世界中沒有人能按下暫停鍵，只能任由它不停的播放，抗議著無聲與寂靜。以鋼琴演奏為主的〈Garden〉讓聆聽者的心情完全沉澱下來，就像走在雨後由綠葉所編織出的兩面矮牆中間，腳下的石頭因踩踏的腳步而喀喀發響。

〈Xerox〉的嗡鳴與民俗樂器的結合給人一股禪意，但隨後電子雜訊般的聲響又把人帶回充滿電子訊號干擾的現實。終曲〈Faith Made of Silk〉讓人想起Beak>結合極簡電子的泡菜搖滾，他鬼魂般的歌聲、IDM碎拍以及合成器將陰暗低沉的末世景像投射在當下。

今年或許是Nicolas Jaar最多產的一年，除了《Cenizas》他還會有另一張個人作品《Telas》，在這之前他的另一項個人計畫Against All Logic也發行了專輯《2017–2019》。無論如何，《Cenizas》已經成功證明了他還能夠超越他自己，把更深沉的樂風納入他的聲音版圖，追尋一種隔離於當下這個混亂世界之外的存在，並把他所創造的預言般的世界帶回到現實給人一種警示。

by guan

Ringo Deathstarr - Ringo Deathstarr

在老牌瞪鞋樂團My Bloody Valentine、Ride、The Jesus & Mary Chain、Slowdive重組之前，來自美國德州的Ringo Deathstarr在2011年推出了他們的首張專輯《Colour Trip》，比起兩千年代眾多的Nugaze樂團，Ringo Deathstarr算是後期才開始加入瞪鞋復興行列的樂團，不過這也讓他們開始發揮創意，而不只是嘗試重現九零年代瞪鞋音樂的面貌。距離上一張專輯《Pure Mood》睽違五年，Ringo Deathstarr終於發行了新作《Ringo Deathstarr》，通常同名專輯都會是樂團展現野心之作，而《Ringo Deathstarr》整體而言的確囊括了他們成團以來最棒的作品集。

喜歡吉他噪音和夢幻女聲的人必定能在這張專輯中一飽耳福，單曲〈God Help the Ones You Love〉融合了Ride和Lush的風格，貝斯手Alex Gehring唱出人成長過程中難免經歷的失望與幻滅，主題內省但吉他音牆和貝斯製造出空間感，結尾的鼓擊逐漸加速，讓人重拾活力面對未來的挑戰。〈Disease〉像是Deerhunter與Kitchens of Distinction音樂的綜合體，Gehring的聲音細小脆弱，構築出瞪鞋樂迷們能陷溺其中、悲喜交集的世界。〈In Your Arms〉展示出一個複製Slowdive聲響的實驗，結果相當的成功，如果說這首歌出自《Souvlaki》也不會有任何違和感。

瞪鞋迷喜愛的男女對唱也在不少歌曲中出現，包括整張專輯聽完最讓人記憶深刻的〈Gazin’〉，如歌名所示，這首歌展現「瞪魔」們的身分認同，開頭充滿八零年代風情的合成器和中段Elliott Frazier的吉他獨奏讓人會心一笑，充滿關鍵字的歌詞 Sometimes I’m always sad、You swerve when you drive、Soon we’ll leave it all behind、So I’m just gazin’ 有種樸拙的趣味。Ringo Deathstarr也在致敬經典樂團之餘加入自己的詮釋，〈Once Upon a Freak〉就像My Bloody Valentine的歌曲加上車庫搖滾風格，〈Just Like You〉則明顯受到The Jesus and Mary Chain的影響，但某種程度上還是可以聽出這是屬於這個世紀的新音樂。

專輯近尾聲時開始收錄一些風格較歧異的歌曲，〈Be There〉迷濛的電氣效果聽起來冰冷，流行的旋律又很討喜，像是在社群媒體上看套了濾鏡的照片，給人美麗又疏離的感受。〈I Don’t Want to Lose This〉混雜了多個樂團的影響，中段Alex Gehring層疊的歌聲極為浪漫，隨後轉折到Elliott Frazier宛如唸口白般的唱腔，令人意想不到。終曲〈Cotton Candy Clouds〉是主腦Elliott Frazier最喜愛的歌曲，吉他從靜謐到爆發的期間飽含戲劇張力，使整張專輯跳脫出瞪鞋復興的範疇並開創了新的境界。

在瞪鞋美學已經給人固定印象的情況下，Ringo Deathstarr做了一些嘗試要拓展它的疆界，我認為十分值得肯定。另外，瞪鞋音樂之所以吸引人之處正是它以難以形容的方式捕捉到某種特別的感受，Ringo Deathstarr能夠旁徵博引如此多的影響，也證明團員們確實真心喜愛這個樂風，《Ringo Deathstarr》成功讓人想起當初為什麼會愛上瞪鞋，且自己不是獨自一人。

by Debby

Bambara - Stray

聽Bambara的音樂很難不令人想起Nick Cave，不管是Nick Cave and the Bad Seeds還是The Birthday Party，主唱Reid的歌唱方式以及他們音樂中時而緩慢時而躁動的後龐克風格都能聽到Nick Cave的影響，你會想說既然如此我們何必還需要Bambara的音樂，除了樂風外，歌詞中故事性所帶來強烈的影像感卻是與眾不同的，也因為他們來自美國的喬治亞州，受到南方歌德文學的影響，讓他們只是假借了音樂風格來幫助敘事的推進，即便覺得音樂風格聽起來似曾相識，但歌詞的敘事方式卻依舊讓人感到新鮮，就像在看一部時間序錯置的南方歌德電影，如同電影《險路勿近》的殺手找上了每一個人，讓你對「死亡」的恐懼感到如影隨形，在道德喪失的世界裡險中求存。

身兼主唱及作詞者的Reid Bateh受到南方歌德作家Flannery O’Connor的《A Good Man Is Hard To Find》影響，讓歌曲擁有與書中故事般同樣黑暗詭譎的情節。你可以將每一首歌當作獨立的歌曲來聽，也可以將每一首歌所提到的人事物串聯起來，因為沒有按照曲序的敘事方式，你必須聽到最後一首才能將最後一塊拼圖拼湊起來。像是第一首〈Miracle〉所引介出的人物Miracle在五、六首〈Death Croons〉、〈Stay Cruel〉才會又再出現，而第三首〈Sing Me to the Street〉中被謀殺的Cole在最後的〈Machete〉才會出現，或許這些人事物聽起來像是虛構的情節，但的確是從Reid所聽到的真實故事所拼湊出來的故事。

整張專輯的主角Death作為死神的化身在第二首〈Heat Lightning〉首度出現，急促的鼓擊節奏與黑暗色調的吉他Riff營造出Death開車在滂沱大雨的黑暗中騁馳的景象，他討厭那些在草叢中會發光的蟲子，抱怨電台的天氣預報有多爛多不準，但即便大雨也阻止不了他「辦事」的計畫。

〈Sing Me to the Street〉聽來就像是Leonard Cohen加入了Nick Cave and the Bad Seeds所獻唱出的歌曲，Reid讓他的嗓音變得更加低沉緩慢，歌詞中第一人稱的他從別人口中聽到Cole被謀殺以及他的妻子Claire把他們小孩溺死在浴缸裡，說著：「Death (死神) 遲早會到我們」，而他並不想知道這些事，他只想當一個旁觀者，就像我們看著電視上的謀殺新聞一樣，麻痺的不為所動。

先跳到專輯最後的〈Machete〉。在家鄉的Cole和他女友Crystal被Death盯上，他必須隨時在身上帶著一把刀保持戒心，但Crystal還是會被殺害了，幾年後他離開家鄉遇到他的老婆Claire，卻一直讓他想到Crystal，他試著買醉來讓自己忘掉過去但卻始終無法逃離這個陰影，如今他又感受到Death再次地盯上他，當他看到窗外發光的蟲子時，這次他拿起槍準備要來對付這個「死神」，但我們早在專輯第二首〈Sing Me to the Street〉就知道他的抵抗並沒有成功。

〈Serafina〉比較能夠看作是一首可以被獨立聆聽的歌曲，唱著Sadie遇到一位從小就著迷玩火的女子Serafina，她對跟人一起做壞事感到著迷並且可以從中可以感到「愛」，於是她們便開始燃燒一些東西跳起舞來看著火焰燃燒熄滅，狂野的吉他噪音宛如烈焰四散在空中，最後Sadie說：「我們來在城裡買一棟房子，並且把它燒成灰燼。」，這首歌也將Bambara音樂中最瘋狂失序的一面表現出來 。

專輯中還有許多可以互相指涉的地方等著人去發掘，像是〈Ben & Lily〉是否就是Miracle的父母，Death是否殺了Miracle等等，這也是聆聽《Stray》有趣的地方，就如同在看一部David Lynch的電影一班，在黑暗詭譎與不規則的敘事中找到一些蛛絲馬跡來串起整個故事，即便是一場夢靨也能如此真實。比起他們過去的作品低純真噪音後龐克的風格，《Stray》的概念性讓專輯成為他們最成熟與最具創意的一張作品，也是屬於他們自己的《Murder Ballads》。

by guan

Dan Deacon - Mystic Familiar

我多麼幸運 / 但我忘了自己對未來依然充滿渴求 / 在這新的一天 / 我會把握時間還是又在滑手機中度過？

美國電子音樂人Dan Deacon在2015推出專輯《Gliss Riffer》之後，製作了幾張電影原聲帶，但他花了五年才推出個人專輯。他在新專輯《Mystic Familiar》中做了一些新的嘗試，包括首度以自己原本的歌聲示人，不再用重重效果器扭曲平常的聲線，之前恣意使用的電氣效果也收斂不少，視歌曲主題需要才會採用；整張專輯強調人活著的每分每秒與自然界的互動，如何找到生命的動力和生存的意志。

〈Become a Mountain〉作為第一首歌非常稱職，不論是主題或氛圍上都為專輯定調，交錯出現的琴聲帶入人聲，整首歌逐漸堆疊元素，等弦樂出現時到達高峰，Dan Deacon期許自己從自然界獲得重生的力量，活出更充實的人生。經過奇異又具太空感的演奏曲〈Hypnagogic〉後，單曲〈Sat by a Tree〉進場，描述在樹下冥想悟出人生的真諦，嚴肅的主題並沒有搭配莊重肅穆的音樂，這首歌的氣氛反而如夢似幻且充滿喜悅，鼓勵人應該及時完成想做的事。

前幾首歌雖然悅耳，但實驗性不高，或許會讓人覺得Dan Deacon在打安全牌，接下來無間斷的 "Arp" 歌曲系列四連發才是他認真發揮的時刻。〈Arp I: Wide Eyed〉和〈Arp II: Float Away〉結合電玩感噪音與流行旋律，在《Mystic Familiar》的專輯製作短片可以看到Dan Deacon如何利用家中的錄音器材打造出自己的音樂世界，而他在這兩首歌確實營造出驚奇、使人沉浸其中的體驗，〈Arp II: Float Away〉最後加入客座樂手Rose Burt詭異的薩克斯風，將聽眾導引到下一層的夢境。〈Arp III: Far From Shore〉和〈Arp IV: Any Moment〉其實是 "Arp" 系列曲一二首的扭曲版，如果前兩首歌讓人心生嚮往，後兩首歌就宛如惡夢一般令人想要逃離，〈Arp IV: Any Moment〉最後還加入警告音，模擬出幽閉恐懼的心理狀態。

在稍微墜入黑暗後，《Mystic Familiar》專注在把人從負面能量的深淵中解救出來。演奏曲〈Weeping Birch〉讓緊繃的情緒獲得紓解，Deacon的電子琴聲配上客座樂手Ruby Fulton的小提琴和Jeremy Hyman的鼓顯得很古典，聆聽時眼前彷彿出現拍攝田園風光的電影畫面。〈Fell Into the Ocean〉和〈My Friend〉涉足的領域其實前半部分的歌曲都已觸及，不過溫馨正向的〈My Friend〉還是讓我聽得十分感動，Deacon描述和友人暫時無法見面，但共同經歷回憶能夠幫助彼此度過艱難的歲月，在當下這個許多人必須在家隔離，無法與外界接觸的時刻，這首歌曲特別能打動人心。合成器音色豐富多彩的〈Bumble Bee Crown King〉在樂觀之餘還蘊含沉思的氛圍，激勵人們在度過疫情的危難後，仍需保有創意和想像力來面對漫長的重建之路。

如今全球正受新冠肺炎的疫情肆虐，即使幸運沒有感染病毒，大多數人也犧牲了在外活動的時間和平時熱愛的興趣，被迫每天和自己相處。即便《Mystic Familiar》不見得是Dan Deacon最優秀的專輯，但Dan Deacon熟練的創作技巧和專輯中的正面訊息，讓它成為2020年最令人難忘的專輯之一。

by Debby